Amanda Heng, a szingapúri művészeti kiállítás: „Mi vagyunk a világ - ezek a történetek” - az STPI-n

"Mindenkinek megvan az a szokása, hogy tartson valamit, például születésnapi ajándékot, ajándéktárgyakat és így tovább" - állítja Amanda Heng szingapúri művész. "Hogyan érzékeljük az ilyen típusú gyűjtemény értékét? Úgy gondolom, hogy ezek a dolgok nagyon értelmesek nemcsak azért, mert egy baráttól, vagy más fontos személytől származnak, hanem szélesebb jelentéssel bírnak identitásunkat, értékeinket és meggyőződésünket illetően is. " Ez a Heng új kiállításának, a „Mi vagyunk a világ - ezek a történetek” című kiállításának a szingapúri Tyler Nyomtatási Intézetben (STPI), 2017. január 7-jétől február 25-ig tartó kiállítása, ahol a személyes élményeket és azok kapcsolódási lehetőségeit tárja fel. Mindannyiunk.

A kiállítás, amely elindítja az STPI 15. évfordulójának ünnepségeit, Hengnek az STPI rezidenciájával kezdődött 2016 áprilisában, amikor először az STPI csapata és végül más résztvevők szóbeli szájon keresztül kérték, hogy hozzanak egyetlen kincses tárgyat. A behozott tárgyak között szerepeltek érmék, egy ebédlő és egy villával.

A művész két évtizedig tartó gyakorlata az együttműködés és a multidiszciplináris művészet készítésének módszerein alapszik. A legismertebb előadóművészeti darabjairól az egyik korai alkotása a „Beszéljünk” (1996) volt, amelyben teát ivott és a babkáposzta tippeinek eltávolítása közben beszélgetett a közönség tagjaival, hogy emlékeztesse az élet egyszerű örömeit a régebbi korszakra. a szingapúri jelentős előrelépésekkel szemben. Egyébként erre Heng első STPI tartózkodási ideje alatt került sor.

Egy másik, a közönség részvételével foglalkozó munka a „Let’s Walk” (1999) volt, ahol a művész és a közönség tagjai hátrafelé sétáltak, magas sarkú cipővel a szájukban, kézi tükrök segítségével tartva az útjukat. Ez egy kommentár volt a szingapúri nők azon motivációjáról, hogy szépítsék magukat, hogy munkahelyüket az 1997-es ázsiai pénzügyi válság nyomán tartsák fenn.

Ezt követően Heng-t a Singapore Airlines pilótafülke kebaja-egyenruhájába öltözve fényképezték a „Singirl” (2000) örökségvédelmi helyszíneken, hogy ezzel egyidejűleg megkérdőjelezzék a nők sztereotípiáit és ezeknek a helyeknek a lebontását a gazdasági fejlődés érdekében. Ezt 2011-ben meghosszabbították, amikor Heng más nőket felkért, hogy csatlakozzanak hozzánk egy online Singingl kontingens létrehozásához, meztelen fenékükről készült fényképek elküldésével, amelyeket aztán névtelenül feltöltöttek a nyilvános galériába. Ez egy olyan kérdésről szól, amely több, Heng szívéhez közeli kérdésről szól, beleértve a nemi politikát és az identitást.

Heng jelenlegi projektje folytatja ezt a szinergetikus hagyományt. Heng szorosan együttműködött 12 résztvevővel, hogy feltárja a történeteket az általuk értékelt tárgyak mögött. Közös erőfeszítés volt, szigorú kutatással mind a művész, mind a résztvevők elvégezték. "Minden résztvevő hozott egy tárgyat, és megosztotta a történetét, és ezen keresztül rájöttünk, hogy többet kell tudnunk, és így visszamegyünk a családjukhoz vagy valakihez, aki többet tudna mondani nekik a tárgyról" - mondja Heng. „A kutatás a résztvevőktől függött, mivel a tárgyak nekik tartoztak. A szerepem olyan dolgok kiemelése volt, amelyekről többet kellett tudnom. ”

A folyamatnak nemcsak a művész, hanem a résztvevők számára is felfedi a szándékát, és Heng a dolgok lassú elfoglalásával gondoskodott róla, hogy ez megtörténjen. Heng azt mondja: „E tárgyak fontossága vagy értéke világosabbá válik a tulajdonosok számára a kutatás elvégzése után, valamint a történetek megosztása köztem és a résztvevők között. Más szavakkal, a projekt elkészítése előtt és után az objektum nézőpontja eltérő lesz. ”

Mivel a kutatás további információkkal bővült, Heng úgy döntött, hogy kollázsműveket készít, hogy rögzítse azt, amit a résztvevőkkel kicsomagolt az objektumokból. A kollázsművek különböző formájú, azonos méretű keretekben, nyomtatás és papírkészítés során, azonos formátumban, a bougainvillaea papírkivágásai közül az egyikig a Polaroid képekig. „Ezt az egész dolgot vizuális eredmény nélkül kezdtem el” - mondja Heng. „Csak azt akartam hagyni, hogy az egész folyamat tovább folytatódjon, hogy végül sok anyaggal dúsuljon. Ezután számomra nyilvánvalóvá vált, hogy kollázsnak kell lennie. ”

A törekvések eredményeként előállított hatalmas mennyiségű információ megőrzése és bemutatása érdekében a kiállítás gyorsreagálású (QR) kódot használ, hogy kiegészítő adatokat nyújtson a kollázsokhoz, hogy elmondja az egyes tárgyak történetét. „A QR-kód azért jött létre, mert a megosztás számos módban zajlott, mint például szövegek és audio. Természetesen sok fénykép és videó halmozott fel ”- mondja Heng. "Az anyagok kiválasztása és megsemmisítése helyett a QR-kód érdekes módszer lett a szélesebb közönség bevonására." A látogatók okostelefonon beolvasják a kódot egy mobil címkéző alkalmazás segítségével, amely rövid videókhoz, interjúkhoz és diavetítésekhez vezet.

A QR-kódok kiemelkedő elhelyezést kapnak a kiállításon. Ahelyett, hogy a szokásosan szerény méretű fekete-fehér formátumban jelenik meg, ugyanolyan méretű, mint a kollázsmű, és ugyanabban a színsémában jelenik meg, mint a kollázsmű, kiegészíti, hangsúlyozva a kutatási eredmények fontosságát.Meghosszabbítják a közönség részvételét a műben, és felelősségvállalást adnak a közönség számára a művel kapcsolatos tapasztalataikról, függetlenül attól, hogy többet megtudnak-e egy adott műről vagy másokról.

Beolvasva a barna papírhoz tartozó QR-kódot, amelyen feliratozott szövegek vannak, mint például „Japán”, „Ausztrália”, „Szingapúr” és „Anchor In Me = Home”, valamint rajzok olyan emberekről, mint például egy kalapot viselő ember, eljutnak egy négyperces, „Haruka / levél egy névvel” című videóhoz, ahol láthatjuk egy nő hátulját, feltehetően a Haruka résztvevőjét, aki karmester szerepet vállal egy japán dalról, amely a példázott életről szól egy levél. Bár az egyes kollázsművek nem közvetlenül tulajdoníthatók az egyes résztvevőknek, mivel az összes munka egy, a katalógusban elismerésre kerülnek.

Egy másik, az elhunyt személy megemlékezéséből fakadó munkában a QR-kód rádióműsorhoz vezet a gyógyulás folyamatáról, lehetővé téve a személyes munka általánosabb megnyitását. „Valójában nagyobb tartalom vagy több történet más emberek, a lakosság részéről. A dimenzió nagyon eltérő volt, és nemcsak én és a másik ember vonatkozásában. A nagyobb képpel foglalkozik, és még mindig ehhez az objektumhoz kapcsolódik ”- mondja Heng.

Míg a projekt emlékekkel foglalkozik, Heng megjegyzi, hogy nem a nosztalgiáról szól. Például az egyik tárgy egy mosodavilla, amelyet egy unoka unokája hozott egy guavafa ágából. Ennek érdekében Heng hangsúlyozni akarta a résztvevő nagyanyja kreativitását és azt, hogy az emberek általában hogyan cselekednek a rendelkezésükre álló dolgokkal. A nagymama itt láthatta, hogy a guajava fa volt a legjobb választás a mosóvilla számára, a környezeti ismeretei alapján gazdag élettapasztalatán keresztül.

Az ember egyetemes hajlandóságának és találékonyságának hangsúlyozása érdekében Heng összekapcsolja az adott mosodai villa létrehozását a televízió találmányával, amely körülbelül ugyanabban az időben történt, Philo Taylor Farnsworth által, az előzetes ötlettel, amelyre kifejlesztett még a középiskolában. Az emberi kreativitás ünnepe, amelynek lehetősége van javítani az emberek és a körülöttünk élők, és néha az egész világ életét.

Heng a kiállításon bemutatja, hogy az egyénileg élvezett tapasztalatok, függetlenül attól, hogy személyesen tűnnek ki kezdetben, viszonyíthatóak és univerzálisak, és hogy a történetek képesek arra, hogy jobban megértsék egymást és egymást.

Ezt a cikket először az Art Republik kiadta.